PRISKA PASQUER PARIS

JANE BENSON – GENARO STROBEL EVERYDAY TO COME OPENING

PRISKA PASQUER PARIS will be closed during the fashion week from January 19 until January 24. After that, we invite you to visit us from Tuesday to Sunday from 11 am – 7 pm and in addition we host every Thursday evening a cocktail reception from 6 – 9 pm

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Priska Pasquer Paris is delighted to start the new year with an exhibition that brings the artists Jane Benson and Genaro Strobel into dialogue. Benson is known for her interventions into found objects, literature, and works of art, reconfiguring them into questioning reassemblies. Strobel, too, enables a new reading of the real in his wood engravings on paper using photography, painting, and collage. While his complex, contemporary narratives envision seemingly endless layers of different readings, Benson evokes a critical engagement with the current zeitgeist.

Genaro Strobel: Developing a New Image-Making Technique

Strobel’s works are monumental and rich in detail. Seen from afar, different forms emerge and different layers of narratives can be glimpsed, which nevertheless only become comprehensible from close up.  The eye wanders along the distinctive lines of the wood texture that are characteristic of the artist’s work. Strobel deliberately uses the wood grain as a form defining element, integrating it as a painterly gesture. 

From the traditional medium of woodcutting, Strobel has used laser technology to develop his own new image-making technique that brings together artificially conceived forms with unique natural forms by imprinting them into the grain. The work process begins with photography, which the artist understands as recording the form of his surroundings. In the studio, he further processes the image material taken with medium-format cameras either as individual photos, as collaged image compositions with artificial, digital brushstrokes, or as scanned-in pencil drawings. The printing block is then produced. The laser burns the overall motif, pixel by pixel, into the veneer wood panels Now the printing blocks are processed with brush and roller. Strobel deliberately counters the precision of photography and impression with gestural traces that he paints on the printing plate with a brush. Other areas of the imprint allow large fields of color to dominate the image motif and envelop the sharp photographs in a mist of color. Within this process, the artist paints in mirror image and applies the paint in a sequence of fixed layers, as at the moment of impression the paint mixes and glazes from back to front.  The final step in creating the work is when Strobel applies pressure to the painted wooden blocks to transfer the oil paint onto the paper in mirror image. After that, the paintings are not further processed, but rather deliberately left alone to preserve the thin, homogeneous layer of paint. 

Changing Perspectives through Multi-Layered Narratives

Strobel often works in series of images that extend hermetically and numbered over several printing blocks. Nevertheless, each image also stands for itself, as it reveals its own perspectives and points of view. In his series of color circles, of which there are 15 so far, Strobel refers in the titles to the well-known representations of color circles, but they are paintings that each embody their own color laws and systems. In Farbkreis 14, a horizon line seems to divide the painting into two parts, and a cityscape emerges above the abstract color play. It is an impression of Ella Trebe Street, which the artist captured with a medium format camera. Segel 2 also transports the viewer to Berlin, the print block made of Albasia wood is based on medium format photographs taken in the area of the Nuthegraben. In the studio, the artist further processed the images by collaging cut-out shapes from them and supplementing them with digital painting. At first, the picture appears completely abstract, with formations that verge on threatening, reminiscent of clouds of smoke. Only on closer inspection do the individual elements of the picture seem to emerge. Then, too, the dark surfaces reveal themselves as multi-layered combinations of different colors.

Jane Benson: Methods of Destruction as Strategies of Regeneration

This deliberate play with the viewer, in which Strobel demands a close look, also comes to bear in the multifaceted work of Jane Benson. The artist’s multidisciplinary approach spans the mediums of sculpture, sound, digital media, and prints. The works in Everyday to Come see Benson cutting and fracturing fake plants and books only to reassemble them through her investigative practice. Methods of destruction are used specifically as strategies of regeneration – opportunities to reassemble, redesign, and reinvent existing entities. In her Faux Faux series, the artist explores a prevalent illusionist trend: artificial plants are, unfortunately, in vogue. Today, copies decorate living spaces appearing deceptively, persistently real. Nature is not represented, but imitated, whereby reality and fiction merge in such a way that they become indistinguishable.

Benson cancels this unification of reality and simulation that the artificial flora suggests by cutting the leaves into geometric, unnatural shapes, such as, triangles and squares. Indeed, cutting reduces the artificial plant to fragments of itself, severing it from the familiar to embrace a new interpretation or future reality for the fake.  The process of transformation is made visible and gives the mass-produced flora its own individuality; no element is congruent anymore, creating a more “authentic” rendering of illusory nature by the artist. Benson’s hanging Flat Planter works are an extension of this work into an architectural scale, and a wry comment on the garden wall that has come to represent eco-architecture.

A series of black and white prints complement Benson’s sculpture. The photographs document the silhouettes of the unabashedly fake flora. The images are reminiscent of photograms, which were created out of a desire for an economical, true-to-life image.  Unlike photography, however, a photogram does not involve a camera, light-sensitive paper is exposed directly causing the uncovered areas of the paper to darken, thus, each image is unique. In mimicking the photogram, Benson’s photographs once again reinforce the game of masquerade and show that the perceptibility of the real is accompanied by a multitude of simulated gestures. 

Rewriting Narratives through Music

In dialogue with Benson’s Faux Faux works are a series of text and sound works. The End of the Patriarchal System and A Moral Renaissance are investigations into the contemporary resonances of essays by British suffragette Mona Caird. Benson dismantles and reconstructs the literary works by excising syllables of the musical scale— do, re, mi, fa, soh, la, ti —to reveal a found score.  In a further step, Benson translates the excavated scores into geometric color field prints based on Isaac Newton’s similarly arbitrary Color Spectrum. Layers of dots in various hues create a delicate moiré effect that visually embodies the revolutionary texts. The scores and abstractions invite the viewer to join in the act of translation at a time when it is essential to re-write and re-imagine women’s rights.

Against the Spectacle

Side-stepping the cynical, Benson emphasizes the absurdity of the false green, and classical forms of categorization, prodding us to look anew at culturally accepted objects and ideas. Benson makes the artificial plant what it is: a new creation of reality. Genaro Strobel also evokes a narrative space for possible critical perspectives by expanding the biographical perspective to include a worldly one: “Think so far beyond the planet, the solar system, the galaxy, the universe, until life itself becomes strange.” (Genaro Strobel, 2009) Today, within the current socio-political context, where the fake (news) challenges the real and falsehoods challenge truths, the need to question everything is paramount. Everyday to Come brings together work that refuses the spectacle.

Dr. Wiebke Hahn

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Priska Pasquer Paris ist hocherfreut, das neue Jahr mit einer Ausstellung zu beginnen, die erstmals die beiden Künstler*innen Jane Benson und Genaro Strobel in einen Dialog bringt.  Die multidisziplinäre Künstlerin Jane Benson ist bekannt für ihre Eingriffe in vorgefundene Objekte, Literatur und Kunstwerke, deren Bedeutungsspektrum sie durch neue Kontextualisierungen erforscht und erweitert.  Auch Genaro Strobel ermöglicht in seinen Holzgravuren auf Papier mittels Fotografie, Malerei und Collage eine neue Lesart des Realen. Während seine komplexen, zeitgenössischen Erzählungen scheinbar endlose Schichten unterschiedlicher Lesarten vergegenwärtigen, evoziert Benson eine kritische Auseinandersetzung mit dem aktuellen Zeitgeist. 

Genaro Strobel: Entwicklung einer neuen Bildfindungstechnik

Strobels Arbeiten sind monumental und reich an Details. Von weitem betrachtet treten unterschiedliche Formen hervor und verschiedene Layer von Erzählungen lassen sich erahnen, die doch erst von Nahem begreifbar werden. Das Auge wandert dabei die markanten Linien der Holzstruktur ab, die charakteristisch für seine Arbeiten sind. Die Maserung setzt Strobel bewusst als formgebendes Element ein, indem er sie als malerische Geste integriert.

Aus dem traditionellen Medium des Holzschnitts hat Strobel mit Hilfe der Lasertechnik eine eigene, neue Bildfindungstechnik entwickelt, die durch das Einprägen in die Maserung künstlich erdachte Formen mit einzigartigen Naturformen zusammenbringt. Der Arbeitsprozess beginnt mit der Fotografie, die der Künstler als Formabnahme seiner Umgebung versteht. Im Atelier bearbeitet er das mit Mittelformatkameras aufgenommene Bildmaterial entweder als Einzelfotos, als collagierte Bildkompositionen mit künstlichen, digitalen Pinselstrichen oder als eingescannte Bleistiftzeichnungen weiter. Anschließend wird der Druckstock hergestellt: Der Laser brennt das Gesamtmotiv Pixel für Pixel in die Furnierholzplatten. Dann werden die Druckstöcke mit Pinsel und Rolle bearbeitet. Die Genauigkeit von Fotografie und Abdruck konterkariert Strobel bewusst durch gestische Spuren, die er mit dem Pinsel auf die Druckplatte malt. An anderen Stellen nehmen große Farbfelder das Bildmotiv ein und lassen die scharfen Aufnahmen im Farbnebel verschwinden. Dabei malt der Künstler spiegelverkehrt und trägt die Farbe in einer Abfolge festgelegter Schichten auf, da sich im Moment des Abdrucks die Farbe von hinten nach vorne vermischt und lasiert. Als letzter Schritt entsteht das Werk, indem Strobel Druck auf die bemalten Holzklötze ausübt, um die Ölfarbe spiegelbildlich auf das Papier zu übertragen. Danach werden die Bilder nicht weiterbearbeitet, vielmehr bewusst in Ruhe gelassen, um die dünne, homogene Farbschicht zu erhalten. 

Perspektivwechsel durch vielschichtige Erzählungen 

Oftmals arbeitet Strobel in Bildreihen, die sich hermetisch und nummeriert über mehrere Druckstöcke erstrecken. Dennoch steht dabei jedes Bild auch für sich selbst, da es jeweils eigene Blickwinkel und Perspektiven offenbart. In seiner Serie der Farbkreise, von denen bisher 15 existieren, verweist Strobel in den Titeln auf die allseits bekannten Darstellungen von Farbkreisen, es sind jedoch Gemälde, die jeweils ihre eigenen Farbgesetze und -systeme verkörpern. In Farbkreis 14 scheint eine Horizontline das Bild in zwei Teile zu gliedern, über dem abstraktem Farbspiel tritt eine Stadtlandschaft hervor. Es ist ein Eindruck der Ella-Trebe-Straße, die der Künstler mit einer Mittelformatkamera aufgenommen hat. Auch Segel 2 versetzt die Betrachter*innen nach Berlin, basiert der Druckstock aus Albasia-Holz auf Mittelformatfotografien, die im Bereich des Nuthegrabens entstanden. Im Atelier bearbeitete der Künstler die Bilder weiter, in dem er ausgeschnittene Formen daraus collagierte und mit digitaler Malerei ergänzte. Zunächst erscheint das Bild vollkommen abstrakt, nahezu bedrohlich wirken die an Rauchschwaden erinnernden Formationen. Erst bei genauem Hinsehen treten die einzelnen Bildelemente scheinbar hervor. Dann auch offenbaren sich die dunklen Flächen als vielschichtige Kombinationen verschiedener Farben.

Jane Benson: Methoden der Zerstörung als Strategien der Regeneration

Dieses bewusste Spiel mit den Betrachter*innen, in dem Strobel ein genaues Hinsehen einfordert, kommt auch in dem vielgestaltigen Werk von Jane Benson zum Tragen. Die Künstlerin arbeitet in den Bereichen Skulptur, Sound, digitale Medien und Druckgrafik. In ihren Arbeiten Everyday to Come dekonstruiert sie gefälschte Pflanzen und Bücher und setzt in einem investigativen Vorgehen die Dinge wieder zusammen. Methoden der Zerstörung werden gezielt als Strategien der Regeneration eingesetzt – Gelegenheiten, bestehende Gebilde neu zu verknüpfen, zu gestalten und zu erfinden. Dazu zählt ihre Werkserie Faux-Faux, in der Jane Benson einen aktuellen illusionistischen Trend hinterfragt: Künstliche Pflanzen sind en vogue. Früher waren sie verpönt und galten als stillos par excellence. Heute dekorieren die Kopien geschmackvoll eingerichtete Wohnräume. Die Natur wird nicht nur repräsentiert, sondern imitiert, wodurch Wirklichkeit und Fiktion derartig ineinander übergehen, dass sie ununterscheidbar werden. 

Benson hebt die Einswerdung von Realität und Fiktion auf, die die künstliche Flora perfekt suggeriert, indem sie die Blätter in geometrische, unnatürliche Formen wie Dreiecke oder Quadrate schneidet. Der Prozess der Transformation wird sichtbar, wodurch der in Serie produzierten Flora eine jeweils eigene Individualität verliehen wird. So wie in der Natur auch, wird jedes Detail einzigartig. Kein Element ist mehr deckungsgleich, wodurch die Künstlerin eine “authentischere” Wiedergabe der illusorischen Natur schafft.  Bensons hängende Arbeiten Flat Panter erweitern die Werkserie um einen architektonischen Maßstab. Sie bilden einen ironischen Kommentar zur Gartenmauer im Stil der Öko-Architektur. Eine Serie von Schwarz-Weiß-Abzügen ergänzt das skulpturale Ensemble. Sie zeigen die Silhouetten der Neukreationen. In ihrer Darstellung erinnern die Bilder an viktorianische Scherenschnitte und Fotogramme, die aus dem Wunsch einer naturgetreuen Abbildung entstanden. Anders als bei der Fotografie wird bei einem Fotogramm keine Kamera gebraucht. Das lichtempfindliche Papier wird direkt belichtet, wodurch sich die unbedeckten Flächen des Papiers dunkel verfärben. Somit ist jedes Bild ein Unikat. Damit verstärken Bensons Fotografien das Spiel der Maskerade einmal mehr und zeigen, dass die Wahrnehmbarkeit des Realen mit einer Vielzahl von simulierten Gesten einhergeht.  

Hervorbringung neuer Lesarten mittels Musik 

Im Dialog mit Bensons Faux-Faux-Werken steht eine Reihe von Text- und Tonarbeiten. The End of the Patriarchal System und A Moral Renaissance sind Untersuchungen über die zeitgenössische Resonanz von Essays der britischen Suffragette Mona Caird.  Benson zerlegt und rekonstruiert die literarischen Werke, indem sie Silben der Tonleiter – do, re, mi, fa, soh, la, ti – herausschneidet, um eine Partitur zu offenbaren. In einem weiteren Schritt übersetzt Benson die sichtbar gewordenen Partituren in geometrische Farbfelddrucke, die auf Isaac Newtons ähnlich willkürlichem Farbspektrum basieren. Schichten von Punkten in verschiedenen Farbtönen erzeugen einen zarten Moiré-Effekt, der die revolutionären Texte visuell verkörpert. Die Partituren und Abstraktionen laden die Betrachter*innen dazu ein, sich am Akt der Übersetzung zu beteiligen, und dies in einer Zeit, in der es von entscheidender Bedeutung ist, die Rechte der Frauen neu zu schreiben und neu zu definieren.

Entgegen dem Spektakel

Ohne zynisch zu werden, stößt uns Jane Benson auf die Absurdität der falschen Grünlinge beziehungsweise der Kultur des Einordnens und Kategorisierens und bringt uns dazu, kulturell akzeptierte Objekte und Ideen neu zu betrachten. Auch Genaro Strobel evoziert einen narrativen Raum für mögliche kritische Perspektiven, indem er die biografische Perspektive um eine weltliche erweitert: “Denke so weit über den Planeten, das Sonnensystem, die Galaxie, das Universum hinaus, bis das Leben selbst fremd wird.” (Genaro Strobel, 2009) Vor der Folie gesellschaftlicher Zustände, in denen Fake News das Echte und Unwahrheiten das Wahre in Frage stellen, ist die Notwendigkeit, alles zu hinterfragen, von größter Bedeutung.  Everyday to Come bringt Arbeiten zusammen, die die Scheinwelt des Spektakels ablehnen.

Dr. Wiebke Hahn 

| FR

La galerie Priska Pasquer Paris se réjouit de commencer cette nouvelle année avec une exposition qui fait dialoguer les artistes Jane Benson et Genaro Strobel. Jane Benson est connue pour ses interventions sur des objets, la littérature et des œuvres d’art dont elle explore et élargit le spectre du signifiant et du signifié en les configurant différemment. Genaro Strobel permet lui aussi une nouvelle lecture du réel par le biais de la photographie, de la peinture et du collage dans ses gravures sur bois. Alors que les récits complexes de Genaro Strobel ouvrent sur des couches de lecture infinies, Jane Benson évoque un examen critique de l’actuel air du temps.

Genaro Strobel  : développer une nouvelle technique pour « faire-image »

Le travail de Strobel est monumental et riche en détail. Au premier regard, on discerne de nombreuses couches narratives dont la signification profonde se révèle en s’en rapprochant. Le regard parcourt les veines et les nœuds du bois qui caractérisent aussi son travail  : Il utilise cette texture comme élément pour définir la forme et l’intègre comme geste pictural. 

Strobel part de la technique traditionnelle de la gravure sur bois pour développer une technologie laser pour « faire-image ». Sa technique lui permet d’insérer les formes artificielles qu’il crée aux formes naturelles de la texture du bois. Son travail commence tout d’abord par la photographie, considérée comme une prise formelle des formes de son environnement. En atelier, il retravaille les images prises avec un appareil de type moyen format, individuellement ou en de nouvelles compositions digitales utilisant pinceaux et crayons numériques. La planche d’impression est ensuite confectionnée ; le laser grave l’ensemble du motif, pixel par pixel, dans les panneaux de bois. Puis les panneaux sont travaillés au pinceau et au rouleau. Strobel contrecarre ici sciemment la précision de la photographie et de la gravure par des traces de peinture sur la plaque d’impression. À d’autres endroits, de grands aplats de couleur occultent l’image et font disparaître la netteté des prises de vue dans un brouillard de couleurs. L’image est réalisée en miroir par couches de peinture nettement délimitées. Enfin, Strobel transfère par pression la peinture déposée sur le panneau de bois, afin de réaliser l’œuvre finale sur papier. Les couches de peinture se mélangent et donnent un effet verni. L’œuvre est alors volontairement préservée telle quelle afin de préserver la fine couche homogène de peinture.

 Changer les perspectives grâce au récit pluriel

Strobel travaille souvent en série dont les différents blocs d’impression sont numérotés. Chaque image est cependant indépendante et révèle une perspective, un point de vue. Dans sa série de cercles chromatique, au nombre de 15 actuellement, Strobel fait naturellement référence dans son titre aux précédentes représentations de cercle chromatique, tout en y représentant leurs propres lois et systèmes de couleur. Dans Farbkreis 14, la ligne horizontale semble diviser la peinture en deux espaces et fait apparaître un paysage urbain au-dessus de l’espace abstrait de couleurs. C’est le transfert d’une prise de vue d’une photographie moyen format la rue Ella Trebe à Berlin. Segel 2 nous transporte aussi à Berlin, le panneau en bois d’Albazia est réalisé d’après une photographie prise dans les environs de Nuthegraben au sud de Berlin. Dans son studio, l’artiste a traité numériquement la photographie en copiant/collant des bouts de celle-ci et en ajoutant des touches de peinture digitale. Tout d’abord, l’image apparaît complètement abstraite avec des formes presque menaçantes, rappelant des nuages de fumée, puis les éléments individuels de l’image émergent. Les surfaces sombres se révèlent comme des combinaisons de strates de couleur. 

Jane Benson  : méthode de destruction comme stratégie de régénération

Ce jeu réfléchi avec la matière se retrouve également dans l’œuvre protéiforme de Jane Benson. L’approche pluridisciplinaire de l’artiste s’étend à la sculpture, au son, aux médias numériques et aux impressions. Dans sa série Everyday to Come, Jane Benson déconstruit des plantes artificielles et des livres factices pour ensuite les recomposer à travers une démarche d’investigation.  Les méthodes de destruction sont utilisées spécifiquement comme des stratégies de régénération – des opportunités de renouer, créer, dessiner des structures existantes.

 

Dans sa série Faux Faux, l’artiste interroge l’emploi d’un ersatz aujourd’hui répandu : les plantes artificielles. Elles s’intègrent à la décoration des espaces intérieurs et apparaissent extrêmement réelles. La nature n’y est pas seulement représentée, mais imitée au point où la réalité devient indiscernable de la fiction.

 

Jane Benson efface cette union de la réalité et de la fiction suggérée par cette flore artificielle en découpant ses feuilles en formes géométriques non-naturelles comme des triangles ou des carrés. Le processus de transformation est rendu visible, conférant aux plantes vertes produites en série leur propre individualité. Comme dans la nature, chaque détail devient unique. Plus aucun élément ne coïncide, ce qui permet à l’artiste de créer une reproduction plus “authentique” de la nature illusoire. La série Flat Planter est une extension de ce travail à l’échelle architecturale. Elle constitue un regard ironique sur les murs végétaux, symboles de l’éco-architecture. 

L’ensemble sculptural est complété par une série de photographies noir et blanc qui montrent les silhouettes végétales nouvellement créées. L’aspect des images rappelle les silhouettes et les photogrammes victoriens, nés de la volonté d’obtenir une image fidèle à la réalité de la nature. Contrairement à la photographie, le photogramme ne nécessite pas d’appareil photo. Le papier photosensible est directement exposé à la lumière, ce qui entraîne une coloration sombre des surfaces non couvertes du papier, chaque image est unique. Les photographies de Benson renforcent ainsi une fois de plus le jeu de la mascarade et montrent que la perceptibilité du réel va de pair avec une multitude de gestes simulés.

Réécrire les récits par la musique

Une série composée d’un texte et d’œuvres sonores dialogue avec le travail de Benson intitulé Faux Faux. Les œuvres The End of the Patriarchal System et A Moral Renaissance sont des études sur les résonances contemporaines des essais de la suffragette anglaise Mona Caird. Dans son travail, Benson décompose et recompose les écrits de Caird en y séparant les syllabes de la gamme musicale – do, ré, mi, fa, sol, la, si – et y révèle une partition. Puis Benson traduit la partition dévoilée à travers la fine impression d’un prisme de couleur basé arbitrairement sur le Color Sprectrum d’Isaac Newton. Les différentes couches et teintes de points créent un délicat effet moiré transposant visuellement les textes révolutionnaires. La partition musicale et l’abstraction invitent l’observateur à une transcription faisant écho à notre besoin contemporain de poursuivre l’écriture et l’évolution des droits des femmes.

Contre le spectacle

Sans cynisme, Benson souligne l’absurdité de ces fausses plantes vertes mais aussi des formes classique de catégorisation et nous incite à porter un nouveau regard sur des objets et des idées culturellement acceptés. Benson fait de la plante artificielle ce qu’elle est  : une nouvelle création de la réalité.

Genaro Strobel évoque également un espace narratif pour une réflexion élargissant la perspective biographique à une perspective globale : « Pensez au-delà de la planète, du système solaire, de la galaxie, de l’univers jusqu’à ce que la vie elle-même devienne étrange. » (Genaro Strobel, 2009).

Dans le contexte socio-politique où les fake news défient la Réalité et où le mensonge défient la Vérité, la nécessité de remettre en question est d’une importance capitale. Everyday to Come rassemble des travaux qui refusent le spectacle.

Dr. Wiebke Hahn